LA CASA GUCCI

Creo (es mi opinión) que debería ser de obligatorio visionado todas las películas que dirijan cineastas como Ridley Scott, Steven Spielberg, Martin Scorsese, Clint Eastwood o Woody Allen, por poner algunos ejemplos. 

Ellos, ven el cine, entienden el cine y filman de una manera que dentro de unos años echaremos de menos.
No por el hecho de que no continúen rodando, sino porque ellos poseen una concepción distinta de cómo se hacen las películas.

En esta "La casa Gucci" ("House of Gucci" - Ridley Scott (2021)), Scott se centra en los personajes presentándonos a cada uno de ellos de un modo particular.
Azules y colores fríos para mostrar la elegancia y majestuosidad del imperio de la moda de la marca Gucci y colores tierra, arena y tonalidades marrones para representar el mundo de Patrizia Reggiani la co-protagonista de esta historia. 

Y es que en este filme convergen lo extravagante y lo frívolo, con lo terrenal y mundano de finales de los años setenta del pasado siglo XX. 
Vemos una Italia industrializada, donde las paredes de sus edificios son colores ocres, plomizos, donde los que los personajes deambulan de un lado para otro haciéndonos partícipes de una historia cuanto menos estrambótica y curiosa.

Porque el argumento real de "La casa Gucci" no deja de ser la de un regicidio Shakespeare-iano donde las ínfulas de poder y las traiciones son lanzadas de un lado a otro donde el dinero y la ambición campean a sus anchas. 
Lo que suele pasar en esta serie de casos es que el poder corrompe, pero más aún, el afán de poder convierte a las personas en aquello que nunca imaginaban que iban a ser.

Eso puede ser lo que le pasa al personaje de Patrizia Reggiani, quien no supo entender que la existencia de las personas no pasa siempre por el poder, la ambición o el status social del que en ocasiones a la fuerza tienes que renunciar. 

Con todo, Ridley Scott se aproxima una vez a Italia dejándonos muestra de que ama ese país y su cultura. 
Siente a los personajes, lo que les sucede o no, cosas del cine que nos sumerge en maravillosas sensaciones.

Buena película "La casa Gucci", la volvería a ver sin lugar a dudas. 

LA MATANZA DE TEXAS (2022)

Sino tenemos en cuanta todo lo filmado con anterioridad, "La matanza de Texas" ("Texas Chainsaw massacre" - David Blue Garcia (2022)) podría considerarse un slasher con elementos propios de otros títulos de este género, pero que se quedaría ahí sin más. 

Pero en esta ocasión, nos encontramos ante un supuesto reboot de una saga, que si bien quiere huir de sus orígenes en cuanto al fondo y la forma, si adquiere elementos prestados de sus orígenes que sirven como detonante para iniciar algo nuevo. 
Con todo lo que conlleva una saga como "La matanza de Texas" creo que se ha desperdiciado una oportunidad de volver al casi metalero estilo de los años 70 del pasado siglo XX donde su predecesora no dudaba en utilizar angulares, cámaras en mano y locuras varias para captar esa incomodidad al espectador, que tanto gustó en su momento (y a mi particularmente me fascinó). 

En esta nueva entrega, adquieren más importancia la estética al estilo "Fear Street" o la utilización muy próxima a elementos y puntos comunes de la saga "Don't breathe", donde Fede Álvarez su director y productor de esta Matanza de Texas deja impresa su impronta. 

El motor del filme, que es el llevar a unos jóvenes a una urbe despoblada de Texas para reconstruir un nuevo mundo y encontrarse con Leatherface es interesante, al igual que incluir a la protagonista y única sobreviviente de la primera entrega Sally Hardesty (aunque no esté interpretada por la misma actriz), es interesante, pero he echado más de menos un punch, en gran medida estético, como he mencionado con anterioridad. 

Por otro lado, la película, por momentos se convierte en "Jeepers Crepers 2" (ídem - Víctor Salva (2003)) donde un sinfín de jóvenes esperan la muerte dentro de un autobús. 
No sé si es buscado o no, pero sin duda lo recuerda.
(SPOILER) Tras concluir los títulos de crédito, el malogrado Latherface camina hacia su antigua casa, dando pie a una continuación que veré de buen grado y que espero con entusiasmo, porque sí amigos, la esperanza es lo último que se pierde. 

DRIVE MY CAR

Yûsuke es un reconocido actor y director teatral. 
Vive con su esposa con la que mantiene una relación peculiar, de hecho, a ella le encanta contar historias mientras hace el amor con él.
Esto le lleva a otro lugar espiritual y es que sin duda,  Oto es una mujer especial y pasional, que al margen de su matrimonio, necesita acostarse con otros hombres para mantener su estabilidad emocional. 
Algo que Yûsuke sabe, decidiendo hacer la vista gorda y continuar con su vida mientras representa con éxito "Esperando a Godot" o "Tío Vania" de Chekhov. 

A sabiendas de que el trabajo de Yûsuke es la interpretación, Oto graba unas cintas para él pueda ensayar la obra en sus largos trayectos en coche. 
Yûsuke interpreta a Vania en los espacios vacíos, mientras que Oto representa al resto de personajes. 
Entre medias de todo esto, Oto conoce al joven Köji al que lleva a ver la obra interpretada por Yûsuke y con el que comparte una corta conversación. 

Pasados unos días, Oto sufre un ictus que acabará con su vida de manera fulminante. 
Sin fuerzas, Yûsuke comienza una nueva vida hasta que decide volver en poner en pie la obra del "Tío Vania".
Comenzará así una nueva vida en Hiroshima donde deberá de montar un elenco internacional al que se presentará inesperadamente Köji al que Yûsuke elige cómo el protagonista de la obra. 

Pero los planes del director teatral no son del todo como él esperaba, ya que la compañía por política de empresa le pone obligatoriamente a una conductora que le llevará de un lugar a otro; poniendo en peligro sus ensayos utilizando las cintas que Oto grabó para él.
En un primer momento a Yûsuke no le parece una buena idea pero no tarda en tener una estrecha relación con Misaki, su conductora, una joven con un tormentoso pasado a la que abre su corazón.
La conexión entre ambos personajes es tal ,que se produce una especie de hermanamiento espiritual y afectivo entre ambos que traspasará las fronteras de una relación laboral.

Soberbia esta "Drive my car" ("Doraibu mai kâ" - Ryûsuke Hamaguchi (2021)), que está basada en un relato del siempre brillante Haruki Murakami y que se ha convertido por méritos propios en una de las películas más respetadas del pasado año. 
Con un tempo fílmico que nos hace sumergirnos en los tránsitos del protagonista, su realizador Ryûsuke Hamaguchi, normaliza la monotonía de tal manera que nos hace partícipes de ella en busca de algún giro inoportuno que nunca llega a producirse,  pero que convive con la realidad de unos personajes acostumbrados por su profesión (la de actores y personas relacionadas con el teatro) a lo inesperado. 

Porque esta película habla sin duda de la comunicación. De lo que decimos, de lo que nos dejamos de decir o de cómo se comunican los personajes. 
Desde el silencio de su protagonista (que sólo explota a final del filme), hasta una miembro del elenco que sólo puede comunicarse mediante el lenguaje de signos; o la vida entre Yûsuke y Oto, basada en la comprensión y sostenida por aquello que nunca se llega a decir. 

Sin duda, nos encontramos ante una obra de arte necesaria por todo aquel que ame el cine y que no es casual se haya colado en los Oscar con cuatro nominaciones, entre ellas la de Mejor Película de habla no inglesa y la de Mejor Película. 
No os la perdáis. 

EXPEDIENTE - X - TEMPORADA 5

Esta quinta temporada de "Expediente - X" está bastante centrada en el descubrimiento de las abducciones, si son reales o no, o si por el contrario están relacionadas con varios casos de cáncer tras estos acontecimientos a los que la agente Scully ha sido sometida. 

Y es como bien sabemos, al finalizar la cuarta temporada, la agente descubre que tiene cáncer y así se lo hace comunicar a un comité de sabios tanto del sindicato como del FBI. 
Por otro lado, tenemos al agente Mulder que ha fingido su muerte dejando el señuelo de otro cadáver para poder investigar más a fondo estos hechos. 

Entre medias, tenemos el patógeno del suero negro o también conocido como aceite negro de origen alienígena con el que una raza extraterrestre planea una invasión y tenemos además, la aparición de un personaje de lo más revelador, el de Cassandra Spender quien dice haber sido abducida durante décadas por extraterrestres y afirma tener conexión con ellos.

Por otro lado, tenemos al fumador quien conspira durante toda la temporada para lograr sus intereses y que al final de esta temporada se hará con el pequeño Gibson Praise quien posee unos poderes telepáticos extraordinarios. 
Además descubrimos que el agente del FBI Jeffrey Spender es el hijo del fumador.

Aparte de esta trama principal, esta temporada también contiene episodios muy interesantes como el de "Unusual Suspects" donde vemos cómo se conocieron los hackers amigos y confidentes de Dana y Fox. 

U otros con trama propia como "Chinga" escrito por Stephen King y que ya hemos comentado en este blog, o la continuación de la historia de un personaje muy peculiar "Pusher" quien sale de donde se encuentra recluido y vuelve a utilizar su capacidad de persuasión para lograr sus objetivos, influyendo incluso en Mulder. 

Esta es además la temporada que se rodó de manera simultánea a la primera de las películas de "Expediente - X", con lo cual por momentos vemos únicamente a Mulder o únicamente a Scully o incluso en ocasiones no vemos a ninguno de ambos y son otras tramas las que aparecen en una serie única y que estoy muy entusiasmado por continuar.

EL RETORNO: LA VIDA DESPUÉS DEL ISIS

Interesante este documental "El retorno: La vida después del ISIS" ("El retorn: la vida després de l'ISIS" - Alba Sotorra (2021)) donde varias mujeres procedentes del mundo occidental terminan en Afganistán convirtiéndose, sin quererlo, miembros del ISIS. 

Todas estas mujeres fueron captadas por miembros de esta organización en su mayoría por internet, y una vez en los países donde actuaba la banda terrorista se dieron cuenta, que en realidad, formaban parte de algo que no lo pensaban que sería en un principio.

Pasado un tiempo y separándose de sus parejas (en su gran medida por los conflictos bélicos), estas mujeres buscan asilo en sus respectivos países de origen o conseguir al menos, un retorno digno a los mismos, pero son consideradas miembros de organización terrorista y no pueden retornar. 

Viendo el documental me parecen bastante sinceros los testimonios de estas mujeres, que podríamos considerar víctimas de un engaño y que lo único que quieren es tener una vida digna junto con sus hijos. 
Porque tal y como vemos en este documento audiovisual, estas mujeres viven a día de hoy en campamentos de refugiados donde no poseen las condiciones apropiadas ni para vivir. 
De hecho, un elemento destacado en esta historia es cuando se inundan las tiendas de campaña en las que en las que pasan la mayor parte del tiempo.

Una vez visionado, me parece que tiene un aporte interesante a esta situación y nos hace ver otras realidades a las que no estamos acostumbrados. 

QUIÉN LO IMPIDE

La ganadora del último Goya a película documental es un experimento social que cabalga entre la realidad documentalizada y la ficción. 
Un trabajo atípico, pero con un mecanismo de complejidad narrativa que su director Jonás Trueba ha tardado cinco años en concluir.

"Quién lo impide" (Ídem - Jonás Trueba (2021)) habla de la vida de distintos adolescentes y de cómo estos ven el mundo que les rodea. 
Tomando como referente a dos de ellos Pablo Hoyos y Candela Recio con los que el más joven de los Trueba había trabajado con anterioridad en un proyecto de ficción; el cineasta, crea unos códigos narrativos que aunque en un principio no sabemos hacia donde van dirigidos, a medida que avanza la película entendemos la deriva del film. 

Una película observacional, que juega con las emociones de unas personas en la edad más complicada de sus vidas, donde deberán de decidir sobre su futuro más cercano.
Si optan por una carrera, si estudian bachillerato o una FP. 
También es la película de los primeros amores, la pérdida de la virginidad o las primeras locuras que se hacen por amor.

De notable mención, es también, la parte dedicada al bulling y su manera de afrontarlo o de cómo algunos de ellos buscan su identidad vistiéndose o maquillándose de determinada manera.

A pesar de su extensa duración, ya al comienzo del filme te sientes identificado con los chicos, queriendo saber más sobre sus vidas y sus problemas existenciales, los cuales, si nos paramos a pensar no están muy alejados de los que tuvimos nosotros a sus edades. 

Visionar esta película nos hace recordar lo efímero que fueron aquellos tiempos donde poco importaba lo importante y donde importaba mucho lo efímero y banal. 
Esto nos hace pensar que lejanos parecen estar esos tiempos, aunque al menos para mí, no lo parecen tanto porque en el fondo tengo incrustadas cosas en mi mente que aún me hacen pensar que soy un eterno adolescente. 

Algo de lo que no me quejo, por cierto. 

JOSEFINA

Javier Marco Rico desde su etapa como realizador de cortometrajes nos tiene acostumbrados a un cine muy peculiar, un cine, donde lo cotidiano muchas veces tiene que ver con en ocasiones un punto de realismo mágico, que bien nos podría acercar al universo de Gabriel García Márquez. 

Y es que la dupla que hace con su guionista habitual Belén Sánchez-Arévalo hace del cine de ambos inconfundible. 

"Josefina" (Ídem - Javier Marco Rico (2021)) nos cuenta la historia de Juan quien desde el fallecimiento de sus ancianos padres vive sólo en lo que fue la vivienda familiar.
Allí, lleva una vida monótona que pasa de casa al trabajo y del trabajo a casa. 
Un trabajo, igual que monótono que su vida; es funcionario de prisiones, además de ser uno de los encargados del control de cámaras de seguridad de una cárcel. 

Es en uno de esos viajes al trabajo es cuando Juan se encontrará con Berta, la madre de uno de los reclusos de la que se enamora perdidamente. 
Por azares del destino, en uno de los trayectos del autobús se consuma un encuentro inesperado entre Juan y Berta iniciándose así una inesperada historia de amor.
De hecho, Juan no es sincero de primeras con Berta a la que no le dice la verdad sobre su puesto de trabajo, sino que la engaña diciendo que tiene una hija llamada Josefina en el bloque de mujeres. 
Pasados unos días, Berta le comentará a Juan que los jóvenes se podrían intercambiar correspondencia y así darse apoyo mutuo. 

Entonces Juan comenzará a escribir cartas como si fuese Josefina , para que Sergio el hijo de Berta pueda recibirlas. 
Lo que Juan no esperaba es que Josefina existiese más allá de su imaginación. 

Inteligente y bien planteada, sólida en guion e interpretaciones "Josefina" es un notable debut de Javier Marco Rico quien ha recibido su segunda nominación al Goya tras haber conseguido la estatuilla en la pasada edición al Mejor Cortometraje de Ficción. 

Todo en la película funciona, su reparto, la puesta en escena y un final digno de enmarcar. 
Si podéis, no os la perdáis. 

LIBERTAD

Todos los años surgen películas españolas que hacen que nuestro cine sea reconocido fuera de nuestras fronteras y distintos festivales cómo Berlín, Venecia o Cannes suelen hacerse eco de estos títulos.

De hecho, este último en su quincena de realizadores seleccionó la película que hoy nos ocupa, "Libertad" (Ídem - Clara Roquet (2021)).
Un filme que versa sobre la adolescencia de la protagonista Nora, quién pasa con su madre y su abuela las vacaciones de verano en una casa de la costa catalana. 
Además de esto, la relación de sus padres no pasa por un buen momento, así que su madre ha decidido emprender una nueva vida, mientras que su abuela se intenta agarrar a la realidad cuando el alzehimer se lo permite.
Entre medias se encuentra Rosana, la asistenta del hogar, quien cuida de la anciana Ángela además de realizar las labores del hogar. 
Pero la vida de Nora cambia cuando aparece en escena Libertad la hija de Rosana quién le enseñará a vivir de otra manera. 

Y es que Nora es una chica bien que no para de estar bajo la estricta disciplina de su madre que no deja paso a la improvisación, algo a lo que Libertad está acostumbrada puesto que desde hace años vivía sola con su abuela quien le dejaba hacer lo que quería. 
Es tras la muerte de esta, cuando Libertad viaja a España y se reencuentra con su madre, un reencuentro no demasiado cordial puesto que la adolescente recrimina a su progenitora que la ha abandonado, mientras que ella se excusa a que tuvo que emigrar para ganar dinero y poder enviárselo a ella y a su abuela a Colombia. 

Con pocas localizaciones, pero compensado con un excelente guion y una sólidas interpretaciones, "Libertad" se ha convertido por mérito propio en una de las mejores películas del año dentro de nuestro cine; y es que muchas ocasiones no hace falta más que tener una buena idea y llevarla acabo con inteligencia más que grandes presupuestos e historias vacuas. 

Muy bien por Clara Roquet, deseando ver ya su siguiente película.

EL LIBRO DE BOBA FETT

Al igual que el universo Marvel sigue expandiéndose con sus series, el de "Star Wars" no iba a ser menos; así que Disney se ha puesto manos a la obra y no ha dudado de crear además de la exitosa "The Mandalorian" otra serie que hoy comentamos, "El libro de Boba Fett". 

Tomando prestado uno de los personajes más emblemáticos de la primera de las trilogías de "Star Wars", "El libro de Boba Fett" cuenta los orígenes de este personaje desde cuando se le da por muerto en "El retorno del Jedi" ("Star Wars: Episode VI - The return of the Jedi - Richard Marquand (1983)), su peregrinación por el desierto y su acogida por los Moradores de las arenas; quienes en este universo galáctico siempre pasaron bastante desapercibidos. 

Y es que ya en la actualidad Boba es el nuevo mandamás de Tatooine tras derrocar a Bib Fortuna quien a su vez sustituyó a Jabba de Hutt tras su muerte a manos de la princesa Leia. 
Esto le llevará a darse valer entre los habitantes del planeta, un planeta lleno de pequeños reinos de taifas y contrabandistas a los que intentará inculcar disciplina y un cierto orden junto con su más estrecha ayudante Fennec Shand.

Para mi, la serie había cogido un buen pulso pero la cosa se disparó a partir del episodio quinto cuando vemos de nuevo la aparición de Mando y a Grogu, los máximos protagonistas de "The Mandalorian" quienes decidirán para bien o para mal retomar su destino juntos.
Porque el pequeño Grogu actualmente podría convertirse en el primer alumno de la escuela de Jedis creada por Luke Skywalker pero el pequeño (SPOILER) decidirá volver con su amigo el mandaloriano. 

Sinceramente los episodios cinco, seis y siete me han parecido magníficos como al resto del público, pero me hubiese gustado que se indagase más en el personaje de Boba Fett en vez de que esta serie se convirtiese en una serie puente entre la segunda y la tercera temporada de "The Mandalorian". 

Memorable es el séptimo episodio donde Boba y luego Mando suben sobre un Rancor enfurecido que derrocará a sus enemigos, pero que más tarde al ser liberado pasa de convertirse de un Godzilla derrocando robots a un enfurecido King Kong que no duda en trepar un edificio haciéndonos recordar al gran gorila escalando el Empire State Building.

Interesantísima esta serie que es imprescindible para conocer aún mejor la mitología del universo "Star Wars".

GORA AUTOMATIKOA

Animadamente divertida, descarada y mordaz, así podría describir "Gora Automatikoa" (Ídem - David Galán Galindo, Pablo Vara y Esaú Dharma (2021)).

Y es que a quien le pese o no, las reglas están para romperlas y esto es lo que demuestran estos tres directores en este arriesgado filme. 
Porque aprovecharse de cómo hacer una película que cumpla los requisitos para ganar un Goya y ver una fisura en el sistema para aprovecharse de él es sencillamente brillante. 

"Gora Automatikoa" es consciente de lo que es, una película hecha ex proceso para eso, para lograr un puesto en las ansiadas nominaciones.
Así que sus autores no dudan en utilizar recursos narrativos a su alcance tales como utilización de la animación los minutos únicamente necesarios. 

Así que cuando repentinamente pasamos a la imagen real, donde vemos en la parte superior de la pantalla un reloj (que recuerda al de la serie animada "Érase una vez el hombre" ("I était une fois... l'homme" - varios directores (1978 - 1981)) que va descontando el tiempo que les queda sin incluir animación en pantalla. 
Primero con una tertulia entre los tres directores y después con distintos momentos dónde Pablo Vara tiene que ejecutar a un monstruo pirulón animado, o el reencuentro de los tres cineastas para retomar y finalizar el filme. 

Acertados son sus momentos donde trollean muchos aspectos relacionados con el séptimo arte en general, o donde podemos contemplar distintas técnicas de animación donde recurren a ilustradores amigos a los que no dudan en poner sus redes sociales para que también les sigan. 
Aunque ojo, hay que prestar mucha atención a la secuencia de las macetas. MUY DIVERTIDA.

Deciros, que "Gora Automatikoa" me ha producido más de una carcajada y que sin duda me parece de las apuestas más arriesgadas y distintas de nuestro cine en los últimos años. 
No sé si lograrán su ansiado Goya, pero al menos han logrado la nominación. 
Eso ya no se lo quita nadie. 

Si queréis pegaros unas buenas risas no dudéis en verla.

MEDITERRÁNEO

Todos los años en nuestro cine aparecen películas con un contenido social elevado y que por H o por B tienen el beneplácito de la crítica y público. 
Este año, la película que se lleva ese honor es "Mediterráneo" (Ídem - Marcel Barrena (2021)) quien con sus antiguos trabajos ya nos tenía acostumbrados a historias con alta carga social. 

El filme, cuenta la llegada de unos socorristas españoles a la isla de Lesbos en Grecia donde miles de sirios a través de Turquía intentan llegar a Europa. 
Con un fuerte mensaje social y emocional, "Mediterráneo" es una película que me ha tenido atento durante sus casi dos horas de metraje y de dónde destaco sobretodo el gran trabajo interpretativo y físico de sus protagonistas. 

En gran medida, la interpretación de Eduard Fernández (un actor de otro planeta) quien no duda en hacer todo lo que está en su mano para transformarse en el personaje real de Óscar Camps, quien tras su aventura en Lebos creó el barco de rescate humanitario Open Arms responsable del salvamento de miles de refugiados procedentes tanto de países asiáticos como africanos. 

Sólo por el mensaje humanitario que representa la película merece ser vista, un mensaje que a mí particularmente, me ha hecho reflexionar. 

EL POZO DE LOS MIL DEMONIOS

Mi historia con "El pozo de los mil demonios" se remonta a la adolescencia. 
En el colegio donde estudiaba propusieron un número (no recuerdo exactamente) de lecturas recomendadas para comentar ese año en la clase de lengua y literatura. 

Entre ellas, de la editorial Alfaguara, se encontraba esta novela de Andreu Martín.
No sé si debido a su contenido, a su llamativo título o su temática, el libro estaba agotado en todas las librerías de Oviedo.
Eran los años noventa y no era tan sencillo acceder a internet (al menos para mi) así que encontrar cualquier cosa que no fuera por encargo era sumamente complicado. 
Así que me quedé sin leer este libro que tanto ansiaba y no se me olvidará el que elegí, "Busco plaza de aprendiz" de Hans-Georg Noack que seleccioné pensando que era de brujos y que tras su llegada descubrí que trataba de un joven que buscaba plaza de aprendiz de soldador (creo recordar) tras terminar sus estudios básicos. 

A pesar de no ser lo que esperaba, ese libro llegó a mis manos y me hizo tener una perspectiva distinta del mundo laboral, algo que con el paso del tiempo agradecí. 
Con esto, no quiero descartar la idea de volver a leerlo.
En mi mente, desde entonces corría el pensamiento de una manera u otra hacerme con un ejemplar de "El pozo de los mil demonios"; así que hace unos meses lo encontré en Wallapop y no ha sido hasta hace quince días aproximadamente cuando me decidí a comprarlo y por fin disfrutarlo.

Esta novela juvenil, cuenta la historia de tres universitarios Jordi, Fernando y Cristina que deciden pasar las vacaciones de verano en la isla de Menorca donde entre otras cosas practicarán submarinismo.
Una vez allí, se desencadenarán una serie de acontecimientos relacionados con distintos mitos baleares, donde destaca un pozo con mil demonios donde los protagonistas caen si remisión y deberán enfrentarse a una serie de peligros. 
El autor, de hecho, comienza fuerte la novela porque lo primero que nos encontramos es la muerte de un sacerdote (al que llaman el curilla), para más tarde, sin remilgos, explicar actos y hechos que a día de hoy no sé si serían propios de ser una lectura recomendada para adolescentes. (En eso hemos dado un paso atrás, éramos más libres hace 25 años que ahora, una pena). 

Tras el transcurso de los años, es curioso observar cómo han avanzado los tiempos.
Los protagonistas se comunican por walkie talkies y los precios de las cosas se miden en pesetas y no en Euros.
También, visto desde una perspectiva actual, es curioso observar cómo nos relacionábamos en el pasado.
Aquí los protagonistas dicen que se encuentran en un lugar a una determinada hora, o deducen donde estará otro personaje debido a sus costumbres, algo que a día de hoy sin teléfonos móviles parecería prácticamente imposible. 

El autor, utiliza además de mitos y leyendas baleares que encaja a la perfección en el libro, otras de otros lugares y no duda en mencionar la edificación de Stonehenge para describirnos una edificación similar bajo el mar, dando así a los adolescentes conocimientos e información de un monumento real, algo bastante inteligente. 

Tras décadas de espera para leerla sólo decir que no sé cual era el horizonte de expectativas o si realmente lo tenía, lo único que sé es que ya me he quitado una espinita.

EL PODER DEL PERRO

En los últimos años Netflix se ha caracterizado por tener entre su repertorio de películas anuales muchos de los filmes que concurrían a los premios más importantes del año. 
Si bien muchos de estos títulos lograban hacerse con un número importante de estos galardones coronándose, incluso, con incontables trofeos a mejor película, a la hora de concurrir en los Oscar se quedaban siempre a las puertas de conquistar el galardón más preciado del año. 

Con "El poder del perro" ("The power of the dog" - Jane Campion - (2021)) creo que la suerte va a cambiar para la plataforma en streaming más popular del momento.

Y es que esta película dirigida por la directora neocelandesa Jane Campion posee todos los ingredientes de una película imprescindible. 
De una belleza y una sensibilidad extrema, el filme cuenta la historia de Phil Burbank, un ranchero acostumbrado a demostrar su personalidad allá donde va arrasando con todo a su paso. 
Como buen líder, a Phil le ríen las gracias y posee un séquito que además le acompaña en cada movimiento de trashumancia que realiza con el ganado. 
Su suerte cambia para él cuando sucede un hecho que no puede controlar, y es que su hermano, el tímido George se enamora de Rose, una viuda que tiene a su cargo a un hijo con extrema sensibilidad. 

En un primer momento, a Phil no le hace la menor gracia el cambio que ha tomado la vida de su hermano, pero abdica e intenta adaptarse a la situación lo mejor que puede. 
Por un primer instante siente un profundo rechazo no tanto hacia Rose, sino como a Peter, el hijo de esta, al que considera débil y al que nota en exceso su homosexualidad, alegando que es algo que aún se puede solucionar.
Pero las circunstancias harán que Phil comience a intimar con Peter e incluso, compartan momentos íntimos que jamás llegan al contacto físico pero sí a una especie de atracción espiritual. 

Es esa esencia la que se percibe en esta película, que cuenta con un fabuloso tercer acto y donde el trabajo actoral roza lo sublime. 
Constantes son los homenajes al cine western clásico pasando de los encuadres dentro del encuadre al estilo John Ford o la templanza de Clint Eastwood a la hora de marcar los lapsos de tiempo, un lejano oeste donde las horas pasaban lentamente y donde lo raro (debido a las grandes distancias) era el ver los tiroteos a los que estamos tan acostumbrados dentro de este género cinematográfico. 

Si hace un mes aproximadamente decía que Spielberg se llevaría el Oscar, no lo tengo tan claro tras ver la dirección de Jane Campion. 
Creo que sí le otorgan la estatuilla como directora sería más que merecida puesto que sería premiar una trayectoria tan sublime como el filme que nos ocupa. 
El Oscar al actor de reparto para Kodi Smith- McPhee está más que cantado no sólo por su interpretación, sino por el simbolismo del personaje al que interpreta, sin duda, de lo mejor del  pasado año.

SCREAM (2022)

La saga "Scream" siempre se ha caracterizado por hacer un lenguaje del cine dentro del cine que la hacía especialmente peculiar.
Si bien (al menos para el gusto de quién aquí escribe) la saga tenía sus altibajos, no vi con malos ojos la cuarta (y supuestamente) última entrega en el año 2011. 

Pero claro está, que viendo los reboots que se estaban haciendo últimamente de las distintas sagas de terror, no era de esperar que esta idea llevada al cine por Wes Craven y escrita por Kevin Williamson no tardase en resurgir. 
Y es que de eso va "Scream" (Ídem - Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillet (2022)), donde toma prestados los personajes de la nueva entrega para un nuevo renacer de la saga. 
Repiten en sus roles Sidney, Gale y Dewey y cobran fuerza y protagonismo los de Sam y Amber, dos hermanas que poseen un pasado del que sólo una de ellas es consciente. 

Porque de hecho Sam, es la hija ilegítima de Billy Loomis el asesino de la primera entrega de la saga "Scream" y al que vemos recurrentemente a modo de alucinación.
A todo esto hay que sumar que en los reboots repiten personajes de las primeras entregas y cómo era de esperar (porque así lo dictan las normas de este tipo de películas) uno de ellos caerá en beneficio del / los asesinos y en perjuicio de la franquicia. 

Interesante es la propuesta de incluir a Jack Quaid actor solvente e inteligente que prácticamente cumple el mismo rol que en la serie de Amazon, "The boys" que no obstante, aquí (SPOILER) nos tragamos bien cuando en el tercer acto descubrimos que es uno de los asesinos. 

Esta "Scream" del 2022 no adolece de prácticamente nada y es sumamente entretenida y no deja respiro durante sus casi dos horas de duración, haciéndonos entrever, que quizás, en un periodo de tiempo no muy lejano disfrutaremos de otra entrega de la saga. 
Ahora bien, no es fácil decir cuándo esto sucederá, sí sería interesante saber sus derroteros y si Sidney y Gale serán las próximas en caer. 

De hecho, para mí uno de los mejores momentos del filme es la muerte de Dewey, épica y con una estética colorista muy típica de estos tiempos cinematográficos que nos han tocado vivir. 
Para disfrutar en el cine, por supuesto.